El talento de Patricio Martín es uno de los más virales de toda la música española. Al rapero canario le sigue una millonaria legión de oyentes en Spotify desde que despegó su primer gran éxito, "Contando Lunares", que fue la canción más escuchada en Spotify España en todo 2019. Gracias a esta carta de presentación, el de El Hierro estuvo nominado en Los 40 Music Award, en los Premios de la Música Odeón y en los Premios Tu Música Urbano, y obtuvo el Premio GQ a Mejor Artista Urbano 2019.

Don Patricio, anteriormente conocido como El Crema, nos ha regalado desde entonces temas contagiosos y celebradas colaboraciones con Lola Índigo, con Rauw Alejandro o con Mozart la Parra -en el hit “Pa toda la vida”-, entre otros. Sus ultimos lanzamientos, "Supongo", con Kabasaki, o "El Pueblo A La Casa", destilan un reguetón repleto de flow. Es pegadizo, relajado, veraniego y con vibraciones fiesteras. Es el estilo "Don Patricio".

Peck Bruyel
Sala de Exposiciones de la ESDIR
2 de diciembre de 2022-8 de enero de 2023

De martes a sábado, de 17:45 a 20:15 horas. Domingos y festivos, de 12:00 a 14:00 horas. Cerrado 25, 30, 31 de diciembre y 1 de enero. 6 de enero abierto solo por la tarde.

Proyecto galardonado en 2021 en la XXXVII edición de la Muestra de Arte Joven en La Rioja, en la modalidad "Proyectos de profesionalización de jóvenes creadores riojanos".

Las imágenes exploran las formas, texturas y colores en plena búsqueda de una estética de la carne. Una belleza que le otorga una nueva función alejada de las que tradicionalmente, en nuestra sociedad, se asocian a ella: la carne como alimento, como prenda de vestir o como mercancía, por ejemplo. La relación entre Peck y la carne está basada en una recurrente contradicción. Por un lado, el rechazo que provoca su olor, su sabor y su textura. Por otro, el atractivo de sus características físicas y estéticas. "Meat 00" es parte del proceso de búsqueda de esta joven creadora, quien, poco a poco, se va acercando, paso a paso, al porqué de esta dicotomía.

Peck Bruyel

La fotógrafa Peck Bruyel (Logroño, 2002), distinguida como artista emergente por el Gobierno de La Rioja en la Muestra de Arte Joven, trabaja en relaciones que aúnan lo corporal, lo carnal o la ausencia de vida de aquello que fue objeto de idolatración; se pregunta por las relaciones que tiene la fotografía entre el Eros y el Tánatos; y explora los conceptos que precipitan lo invisible, sobre la materia visible de la que está compuesta la fotografía. Así, desarrolla la imagen en cuanto símbolo, como signo que interroga a un discurso latente, en el que subyacen el anhelo, la pasión y la astucia. A pesar de su juventud, ha caminado por el lenguaje formal de los maestros del hiperrealismo fotográfico. Como hicieran clásicos como Edward Weston o Walker Evans, ha empleado cámaras analógicas de gran formato.

Peck Bruyel
Comisariada por Jesús Rocandio
Museo de La Rioja
22 de diciembre de 2022 al 12 de febrero 2023

De martes a sábado, de 10:00 a 20:30 horas. Domingos y festivos, de 10:00 a 14:00 horas.

El discurso formal de Peck Bruyel se alinea con los autores contemporáneos, empleando cámaras de altísima resolución, grandes formatos de ampliación e instalaciones que sumergen al espectador en su intrincado mundo personal. En sus imágenes, la artista está tan desnuda como sus modelos. "Flesh" se basa en la rotundidad de la imagen fija como poder y como límite. Esta aparente debilidad está usada como ventaja, como apreciación del instante evanescente que nos muestra lo visible e invisible de ese momento congelado. En la serie de cuerpos que envuelven al espectador en un sortilegio, en una especie de contradictoria cinta de película inanimada, hay una clara cuota metafísica.

Peck Bruyel

La fotógrafa Peck Bruyel (Logroño, 2002), distinguida como artista emergente por el Gobierno de La Rioja en la Muestra de Arte Joven, trabaja en relaciones que aúnan lo corporal, lo carnal o la ausencia de vida de aquello que fue objeto de idolatración; se pregunta por las relaciones que tiene la fotografía entre el Eros y el Tánatos; y explora los conceptos que precipitan lo invisible, sobre la materia visible de la que está compuesta la fotografía. Así, desarrolla la imagen en cuanto símbolo, como signo que interroga a un discurso latente, en el que subyacen el anhelo, la pasión y la astucia. A pesar de su juventud, ha caminado por el lenguaje formal de los maestros del hiperrealismo fotográfico. Como hicieran clásicos como Edward Weston o Walker Evans, ha empleado cámaras analógicas de gran formato.

Javier Jaén
Ayuntamiento de Logroño
20 de diciembre de 2022-22 de enero de 2023

Una producción de JA! Festival Internacional de Literatura y Arte con Humor. jafestival.com

De martes a viernes de 17:30 a 20:30 horas. Sábados, domingos y festivos: de 12:00 a 14:00 y de 17:30 a 20:30 horas. 24 y 31 de diciembre y 5 de enero: de 12:00 a 14:00 horas. 25 de diciembre, 1 y 6 de enero: cerrado.

La primera exposición retrospectiva de la obra del ilustrador y diseñador gráfico Javier Jaén nos permitirá conocer la trayectoria profesional del autor a través de cerca de 250 obras, entre las cuales hay maquetas de los proyectos realizados, audiovisuales, esculturas, impresiones y objetos, en distintos soportes y materiales. Jaén traduce a imágenes historias y conceptos complejos, con ayuda de materiales cotidianos, en un lenguaje simbólico y lúdico, lleno de dobles lecturas. "Primer asalto" fue producida por el festival Ja! y expuesta en su última edición.

Javier Jaén (1983) estudió Diseño Gráfico y Bellas Artes en Barcelona, Nueva York y Budapest. Destacan sus ilustraciones de prensa y editoriales, la comunicación cultural, la publicidad y los proyectos audiovisuales, además de su obra propia. Ha trabajado para The New York Times, The New Yorker, The Washington Post, La Vanguardia, El País o Planeta, ha expuesto en medio mundo y ha recibido numerosos reconocimientos, como el American Society of Illustrators, Premio Gràffica o Premio Feroz.

Susana Talayero
La Lonja
19 de diciembre de 2022-11 de febrero de 2023

Miércoles, jueves y viernes, de 19:00 a 21:00 h; sábados, de 11.30 a 13:30 h. Del 2 al 7 de enero: 11.30-13:30 h y 19:00-21:00 h.

La instalación "Los pétalos furiosos", realizada ex profeso para el espacio de La Lonja, toma el título de un poemario de la argentina Lila Zemborain y encuadra pinturas producidas recientemente por Susana Talayero. El montaje de telas y pliegos plásticos de gran formato que atraviesan el espacio genera un ambiente que evoca imaginarios de subsuelo y drama. En el marco de esta intervención pictórica, La Lonja albergará el 3 de enero una performance del artista visual Daniel Llaría, que incluye la proyección del vídeo "Cerro negro", de Susana Talayero, editado para la ocasión y realizado en colaboración con la artista Leire Aranberri.

Susana Talayero (Bilbao, 1961) participa en la relación entre pintura y espacio mediante montajes acumulativos que explotan en grandes formatos indisciplinados, indómitos. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, la artista ha expuesto recientemente en Mallorca, Roma y Bilbao. Su trabajo forma parte de las obras colectivas "Ciencia fricción" y "Zerubat", y se ha integrado también en proyectos colaborativos como "Scriptbarik" y "Verso Nikà".

Actividades en torno a la exposición

3 de enero, 19:30 horas

Performance de Daniel Llaría (dalla) y proyección de un vídeo de Susana Talayero.

Un paseo por Actual, el festival más madrugador del año

Paseo del Espolón
16 de diciembre de 2022-8 de enero de 2023
Una producción del IER para Actual 23

El Gobierno de La Rioja levantó en 1991 el Escenario de Culturas Contemporáneas. Y Actual puso el foco en la diversidad, la originalidad y el atrevimiento de las vanguardias artísticas. El festival más madrugador del año nos canta, nos recita, nos interpreta, nos baila, nos toca, nos cuenta. Con rigurosa puntualidad. Desde hace 33 inviernos, el festival es el abono musical, cinematográfico, plástico y escénico que fecunda cada 2 de enero.

El Instituto de Estudios Riojanos produce este paseo en el tiempo que recorre la historia gráfica de Actual, circulando entre las imágenes que han expandido el festival desde su nacimiento hasta su vigente edición, que se celebra entre el 2 y el 7 de enero de 2023. Propuestas conceptuales, fotografías icónicas y diseños memorables engrosan una colección de carteles con más de tres décadas de historia.

Ver carteles exposición

Enrique Marty
Con la colaboración de Ana Curra
Comisariada por Rafael Doctor Roncero
Sala Amós Salvador

15 de diciembre de 2022-19 de febrero de 2023

De martes a viernes, de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 horas. Sábados, domingos y festivos, de 11:00 a 15:00 y de 17:00 a 21:00 horas. Lunes, cerrado (excepto 26 de diciembre y 2 de enero). 25 de diciembre, 1 de enero y 6 de enero: cerrado.

Una producción de Cultural Rioja y Sala Amós Salvador.

Esta exposición nos presenta el estudio del propio artista plástico como un lugar dinámico y autosuficiente y, al mismo tiempo, hace un homenaje a Ana Curra, una de las personas esenciales en el punk-rock de las últimas décadas en España; todo ello, bajo la experiencia que el confinamiento nos ha dado. "Autosuficiencia" genera una estancia a través de la reconstrucción del estudio del artista, un lugar donde, entre grandes cajas de embalajes, aparecen multitud de obras de diferentes etapas de la trayectoria de Enrique Marty. La figura de Ana Curra, como gran musa, preside un caótico espacio cargado de obras y de estímulos. Pintura, escultura, vídeo, dibujo, escenografía, instalación… todo el inmenso mundo formal de Enrique Marty vertido para convertir la Sala Amós Salvador en un espacio habitable.

Enrique Marty es uno los artistas más importantes del arte español de las últimas décadas, alguien que ha sido capaz de trascender la pintura hacia diferentes ámbitos, siempre desde sus temáticas nada complacientes, en las que desnuda los convencionalismos y los maquillajes a través de los cuales deambula el ser contemporáneo.

Actividades en torno a la exposición

15 de diciembre, 19:30 horas

Inauguración con Enrique Marty, Ana Curra y Rafael Doctor

El artista, el comisario y la musa que inspira la muestra presentarán las claves del trabajo realizado, contarán las relaciones que los unen y nos guiarán para perdernos en la exposición.

19 de enero, 19:30 horas

Pautas para una aproximación al arte español actual con Nerea Ubieto y Rafael Doctor

Desde dos ópticas diferentes, esta conversación tratará de analizar el panorama del arte más reciente de España y cuáles son las pautas en las que se asienta, al mismo tiempo que repasará la obra de algunos de los artistas más destacados del presente.

8 de febrero, 19:30 horas.

Interferencias con Javier Panera

Música y artes plásticas han tenido una relación muy fructífera en las últimas décadas. Javier Panera, Profesor en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca, ha estudiado y coleccionado durante décadas esta relación en el panorama artístico y musical español.

Todos los sábados y domingos, 12:30 horas

Visitas comentadas

Laura Mora, Colombia, 2022 | 103 minutos | Drama social, Road movie | VOSE | Presentación y coloquio con José Luis Rebordinos, director del Festival de San Sebastián

Rá, Culebro, Sere, Winny y Nano son cinco amigos que se mueven en las arenas movedizas del extrarradio de Medellín. Cinco reyes sin reino, sin ley, sin familia, sin dinero, que emprenden un viaje en búsqueda de la tierra prometida. Una tierra de nadie adquirida en una rocambolesca herencia espera a unos jóvenes que nunca tuvieron nada; tan solo la camaradería que rotura este clan inquebrantable. Para llegar a ella, habrá que emprender un larguísimo viaje hacia la región amazónica. En ese lugar remoto les espera algo parecido a una salvación, lejos de los cárteles, lejos de la pobreza, lejos de la desesperanza.

La cineasta colombiana Laura Mora Ortega se dio a conocer con la notable Matar a Jesús (2017), elegía sobre la parálisis estamental e ideológica que habita en su país. Con su segundo largometraje, Los reyes del mundo, ganador de la Concha de Oro del pasado Festival de San Sebastián, parte del mismo escenario de su anterior filme, un deprimido Medellín, para después dejarlo atrás y buscar una nueva esperanza. La de cinco chicos que representan la aspiración de las nuevas generaciones de coterráneos de la directora. Con este deseo se cimenta esta road movie estandarizada en su narrativa pero subyugante desde su estética, que describe un camino a través de la crueldad pero en el que se imponen los lazos y, cómo no, la belleza.

Colombia-Luxemburgo-Francia-México-Noruega, 2022. Título original: «Los reyes del mundo». Dirección: Laura Mora Ortega. Guion: María Camila Arias, Laura Mora Ortega. Compañías productoras: Caracol Televisión, Ciudad Lunar Producciones, Dago García Producciones, Iris Productions, Tu Vas Voir Production, Talipot Studio, Mer Films.

Distribución en España: BTeam Pictures. Fotografía: David Gallego, en color. Música: Leonardo Heiblum, Alexis Ruiz. Reparto: Carlos Andrés Castañeda, Davison Florez, Brahian Acevedo, Cristian Campaña, Cristian David Duque.

Textos y adaptaciones por
Emilio M. Luna
Crítico Dirigido por / EAM / Cinemanía

Park Chan-wook, Corea del Sur, 2022 | 138 minutos | Intriga | VOSE

Un asesinato cuya resolución no termina por llegar marca los oscuros días en una comisaría de Busan. Los dos investigadores del cuerpo encargados del caso se hallan en un punto muerto. Justo en ese momento estanco, de escasa certidumbre, se les asigna la investigación de una muerte de un acaudalado empresario en la montaña Geumjeongsan. Lo que parece un accidente de alpinismo adquiere una nueva dimensión cuando se descubre que la pareja del difunto, una joven y atractiva ciudadana china, ya arrastraba problemas con la ley en su país natal. De esta forma, Park Chan-wook, uno de los estandartes del cine de género, despliega este noir de aires hitchcockianos en el que la forma también es fondo.

La reformulación narrativa del thriller que el maestro seulés comenzó a los inicios del nuevo milenio con la trilogía de la venganza –Sympathy for Mr. Vengeance (2002), Oldboy (2003), Sympathy for Lady Vengeance (2005)— alcanza la cumbre a nivel estilístico con esta equilibrada y magnética demostración de cine negro articulada sobre los elementos básicos del subgénero –policía devorado por su pasado, femme fatale, tipos de moral dudosa—, pero, a la vez, dotada de un espíritu romántico-lírico propio del autor que cala en nuestro corazón pero también nuestra memoria. Una maravillosa Tang Wei nos guía por este recorrido nebuloso y laberíntico donde nada es lo que parece. ¿O tal vez sí? Lo que es seguro es que Park Chan-wook es uno de los grandes cineastas de nuestro tiempo.

Corea del Sur, 2022. Título original: «Heojil kyolshim». Dirección: Park Chan-wook. Guion: Jeong Seo-Gyeong, Park Chan-wook. Compañías productoras: Moho Films, CJ Entertainment.

Distribución en España: Avalon. Fotografía: Kim Ji-yong, en color. Música: Cho Young Wuk. Reparto: Tang Wei, Park Hae-Il, Go Kyung-pyo, Park Yong-woo, Lee Jung- hyun, Jung Yi-seo, Hyun-woo Seo, Lee Hak-Joo, Park Jung-min.

Textos y adaptaciones por
Emilio M. Luna
Crítico Dirigido por / EAM / Cinemanía

Louis Garrel, Francia, 2022 | 100 minutos | Comedia | VOSE

Abel es un joven con una vida anodina que cambiará de forma impensable cuando descubra que su madre, Sylvie, de sesenta años, ha decidido contraer matrimonio con un mafioso que pasa sus últimos días en prisión. Un hecho que le hará entrar en pánico. Así, decide proteger a su madre con el apoyo y colaboración de su mejor amiga, Clémence.

Entre ambos intentarán un viraje de la situación que adquirirá un nuevo e impredecible estadio cuando Abel conozca a su futuro padrastro, Michel. Un hombre que le abrirá nuevas perspectivas profesionales y económicas a las que se entregará un Abel necesitado de nuevos impulsos.

Las no siempre orgánicas ramificaciones del amor componen el sustrato argumental de la aún corta filmografía de Louis Garrel. En su cuarta película, probablemente la más accesible, si cabe, en su corta trayectoria como realizador, Garrel fusiona la comedia romántica, las heist movies y el esperpento valleinclanesco. Un compendió lúcido y divertido en el que sus actores protagonistas, Roschdy Zem, Anouk Grinberg, Noémie Merlant y el propio Garrel exudan carisma y química. Un talento al servicio de una narración articulada sobre dos relatos amorosos genéricos que remarcan la filia del autor no solo por corresponder a padre, el mítico Philippe Garrel, sino también por dialogar con la obra de otro de sus ídolos: Woody Allen.

Francia, 2022. Título original: «L'innocent». Dirección: Louis Garrel. Guion: Louis Garrel, Tanguy Viel, Naïla Guiguet. Compañías productoras: Les Films des Tournelles, arte France Cinéma, Canal+, Ciné@. Distribución en España: BTeam Pictures. Fotografía: Julien Poupard, en color. Música: Grégoire Hetzel. Reparto: Louis Garrel, Roschdy Zem, Anouk Grinberg, Noémie Merlant, Manda Touré, Léa Wiazemsky, Jean-Claude Pautot, Yanisse Kebbab, Florent Masarin.

Textos y adaptaciones por
Emilio M. Luna
Crítico Dirigido por / EAM / Cinemanía

Ali Abbasi, Dinamarca, 2022|117 minutos| Thriller criminal, Asesinos en serie | VOSE

Ciudad santa de Mashhad, Irán, a comienzos del nuevo milenio. La sociedad persa está consternada por una serie de asesinatos acontecidos en el extrarradio. Unos brutales crímenes que tienen como únicas víctimas a mujeres y que, además, contienen una firma: la de la Araña sagrada, un varón que postula que tiene la misión de purificar la ciudad de sus pecados y que para ello eliminará a todas las prostitutas que ejercen cuando el sol se pone. Pese al impacto mediático de los casos, las autoridades legales de la ciudad muestran poco interés en su resolución. Será una periodista local la que buceará en los peores barrios de la ciudad buscando las respuestas negadas por las instituciones.

Tras dos incursiones en el fantástico –Shelley (2016) y Border (2018)–, el realizador danés Ali Abbasi retorna al género –con el mediometraje M for Markus (2011)– que le dio un nombre: el thriller de serial killers. En Holy Spider explora en pantalla el contexto en el que vive la mujer en Irán: reprimida por una cultura casi medieval carente de libertades. Lo hace de la forma más cruel posible, desvelando la corrupción ética de unos estamentos que siguen al servicio del fundamentalismo, pese a la fuerte presión de un pueblo afligido y, por fin, a día de hoy, concienciado. Paradojas para un régimen corrupto, un asesino en serie campó a sus anchas en una de las ciudades más importantes del país y, claro está, solo una mujer pudo hacerle frente. Encarnada en el filme de Abbasi por la magnífica Zar Amir-Ebrahimi, ganadora del premio a la mejor interpretación femenina del pasado Festival de Cannes.

Dinamarca-Alemania-Francia-Suecia, 2022. Título original: «Holy Spider». Dirección: Ali Abbasi. Guion: Ali Abbasi, Afshin Kamran Bahrami. Compañías productoras: Profile Pictures, One Two Films, Nordisk Film Production, Wild Bunch, Why Not Productions, arte France Cinéma. Distribución en España: Karma Films & BTeam Pictures. Fotografía: Nadim Carlsen, en color. Música: Martin Dirkov. Reparto: Zar Amir-Ebrahimi, Mehdi Bajestani, Arash Ashtiani, Forouzan Jamshidnejad, Mesbah Taleb, Alice Rahimi, Sara Fazilat, Sina Parvaneh, Nima Akbarpour.

Textos y adaptaciones por
Emilio M. Luna
Crítico Dirigido por / EAM / Cinemanía

Quentin Dupieux, Francia, 2022 | 80 minutos | Comedia | VOSE

La TABAC Force es la gran arma de la que dispone la Tierra para enfrentarse ante el mal, tanto interno como externo. Está conformada por cinco justicieros con todo tipo de capacidades al servicio del ciudadano. Tras un duro combate contra una tortuga gigante (y demoníaca), el grupo es consciente de la dificultad que entraña ser el último asidero de la humanidad. Una tensión que está resquebrajando la convivencia y erosionando la relación entre los miembros. Es por ello que deciden pasar unos días en un balneario para volver a disfrutar de la camaradería. Desgraciadamente para ellos (y para el mundo), Lézardin, emperador del mal, decide que es el momento justo para aniquilar el planeta.

Las fugas del universo superheroico canónico siempre son bien recibidas. Y más si provienen de territorio europeo. Ya el italiano Gabriele Mainetti probó con la notable Le llamaban Jeeg Robot (2015), conjunción de los estereotipos del género con la idiosincrasia italiana. Un espacio de fantasía, el de mundo de los superhéroes, que adaptado a los códigos narrativos y humorísticos de Quentin Dupieux, no puede ser más atractivo. Fumar provoca tos es un ejercicio descomunal de humor absurdo y esperpéntico, dotado de todas las claves que han elevado al autor galo como una de almas directorales más libres del panorama fílmico actual. No hay reglas en su cine sin prejuicios. Su filmografía está repleta de filmes memorables. Y su último trabajo no es una excepción.

Francia, 2022. Título original: «Fumer fait tousser». Dirección: Quentin Dupieux. Guion: Quentin Dupieux. Compañía productora: Chi-Fou-Mi Productions. Distribución en España: A contracorriente. Fotografía: Quentin Dupieux, en color. Reparto: Adèle Exarchopoulos, Vincent Lacoste, Anaïs Demoustier, Benoît Poelvoorde, Alain Chabat, Gilles Lellouche, Doria Tillier, Oulaya Amamra, Blanche Gardin, Grégoire Ludig, David Marsais, Anthony Sonigo, Julia Faure, Jean-Pascal Zadi, Jérôme Niel, Raphaël Quenard.

Textos y adaptaciones por
Emilio M. Luna
Crítico Dirigido por / EAM / Cinemanía

Colm Bairéad, Irlanda, 2022| 95 minutos | Drama | VOSE

En una pequeña villa de la Irlanda de 1981, Cáit, una niña de nueve años, solo es feliz en la soledad que le procura un entorno natural idílico. Todo lo contrario intramuros, marginada en el colegio debido a su timidez, ignorada por su familia en el hogar. El próximo alumbramiento de un nuevo hermano complicará aún más la situación. La escasez de recursos y la nula atención que se le presta hace que sus padres decidan que pase una temporada con unos parientes lejanos, los Kinsella. Una nueva vida, aunque efímera, que le transmitirá a Cáit toda la cercanía y ternura de las que siempre ha carecido. Los Kinsella, a su vez, encontrarán en la joven la persona que cure las heridas del pasado.

Presentada, valga la paradoja, casi en silencio en una sección minoritaria de la Berlinale, Generation, el debut en el largometraje de ficción de Colm Bairéad se ha erigido en una de las bellas sensaciones de este 2022. Lo es por su propuesta, narrada y dialogada en gaélico, algo que ha provocado que sea la representante de Irlanda en el concurso internacional de la próxima edición de los Oscars. Lo es, asimismo, por su sencillo planteamiento: un cuento moderno que subraya que la paternidad no es exclusiva de la consanguinidad. Lo es, por fortuna, por todos los emocionantes detalles que siembran un camino que desemboca en una explosión de sentimientos memorable. The Quiet Girl es cine de otro tiempo, cine que hace de este mundo un lugar mejor.

Irlanda, 2022. Título original: «The Quiet Girl». Dirección: Colm Bairéad. Guion: Colm Bairéad, basado en una historia de Claire Keegan. Compañías productoras: Inscéal, Broadcasting Authority of Ireland, TG4. Distribución en España: La Aventura. Música: Stephen Rennicks. Fotografía: Kate McCullough, en color. Reparto: Carrie Crowley, Andrew Bennett, Catherine Clinch, Michael Patric, Kate Nic Chonaonaigh, Carolyn Bracken.

Textos y adaptaciones por
Emilio M. Luna
Crítico Dirigido por / EAM / Cinemanía

Alice Diop, Francia, 2022 | 122 minutos | Drama judicial | VOSE

Rama, miembro de una segunda generación de migrantes en Francia, nunca lo ha tenido fácil en su país de adopción. Primero, con los prejuicios externos inherentes, por desgracia, a su condición social; segundo, estos internos, por la nula aceptación de su clan ante su vida europeizada. Rama, profesora y novelista, decide ir a un juicio al tribunal de Saint Omer, en el paso de Calais, para documentarse para su próxima obra. Allí asistirá al proceso en contra de Laurence Coly, una joven senegalesa acusada de haber matado a su hija. Un litigio cuyo sorprendente desarrollo terminará rompiendo cualquier preconcepción, no solo con respecto a la acusada, también de la propia Rama.

El debut en la ficción de la documentalista Alice Diop se ha convertido por derecho propio en una de las grandes obras del año. La gran favorita para conseguir el Oscar a mejor película internacional, es un trabajo modélico y honesto que cobra una inusitada fuerza en el previamente apuntado proceso judicial que involucrará, de forma directa e indirecta, a las dos protagonistas del filme. Un ejercicio en el que el lenguaje, la palabra, cobran vital importancia; ya que el filme versa de cómo pueden ser manipulados los códigos éticos en favor de los prejuicios o de los preceptos sociales pretéritos aún vigentes en la contemporaneidad. Saint Omer es un filme destinado a provocar la reflexión pero también, y esto es lo importante, a forzar el cambio en una sociedad adormecida.

Francia, 2022. Título original: «Saint Omer». Dirección: Alice Diop. Guion: Alice Diop, Marie N’Diaye, Amrita David. Compañía productora: Srab Films. Distribución en España: Surtsey Films. Fotografía: Claire Mathon, en color. Reparto: Kayije Kagame, Guslagie Malanga, Valérie Dréville, Aurélia Petit, Xavier Maly, Robert Cantarella, Salimata Kamate, Thomas De Pourquery, Ege Güner, Atillahan Karagedik, Fatih Sahin, Salih Sigirci, Lionel Top.

Textos y adaptaciones por
Emilio M. Luna
Crítico Dirigido por / EAM / Cinemanía

Ana Rujas y Claudia Costafreda (6 episodios de 25 m) | Premio A DE ACTUAL A LA MEJOR SERIE DEL AÑO | Sesión especial presentada por sus autoras con coloquio posterior

Miniserie de seis episodios centrada en la generación nacida en los año noventa y que gira alrededor de una chica, María (Ana Rujas) que decide abandonar el mundo de la televisión, en el que ha trabajado como presentadora y protagonizando anuncios, para hacer frente a sus problemas, que son unos cuantos. María por fuera rebosa belleza, pero por dentro se siente un cardo.

Tarik Saleh, Suecia, 2022 | 126 minutos | Thriller político | VOSE

Adam es un alumno ejemplar tutelado por el imán de su ciudad natal. Con su ayuda, el joven ingresará en la universidad de Al-Azhar de El Cairo, enclave de prestigio devenido destino para las futuras promesas en materia ideológica y cultural; también oficioso epicentro del islamismo suní, basamento político y ético de Egipto. El día de la presentación de Adam fallece el Gran Imán. Un hecho que provocará una catarata de movimientos que involucrarán al gobierno y a las diferentes élites religiosas. Un conflicto en el que será necesarios intermediarios para hallar las grietas de un proceso violento e inmisericorde.

El cineasta sueco de orígenes egipcios Tarik Saleh ya ofreció una valiosa panorámica sobre el convulso momento que vive Egipto tras la renuncia de Hosni Mubarak en 2011, acusado de corrupción, en el neo-noir El Cairo confidencial (2017). En esta ocasión, Saleh acerca el foco al mismo núcleo del poder: las ramificaciones que brotan de Al-Azhar, espacio de estudio e investigación pero asimismo plaza fundamental para la escritura del presente y el futuro de una nación. En su último filme, Saleh repite fórmula: excelente ambientación y una narrativa poderosa que se acoge a todos los principios del cine negro para escudriñar los alambicados equilibrios a los que se debe asir un sistema que tiene a su enemigo en su propia concepción. Y en el que la fe nunca fue un problema, sí, en cambio, la ambición.

Suecia-Francia-Finlandia-Dinamarca, 2022. Título original: «Boy from Heaven». Dirección: Tarik Saleh. Guion: Tarik Saleh. Compañías productoras: Atmo Production, Memento Films, Film I Väst, Final Cut for Real, Oy Bufo Ab, arte France Cinéma. Distribución en España: La Aventura. Fotografía: Pierre Aïm, en color. Música: Krister Linder. Reparto: Tawfeek Barhom, Fares Fares, Mehdi Dehbi, Mohammed Bakri, Makram Khoury, Sherwan Haji, Yunus Albayrak, Ayman Fathy, Amr Mosad.

Textos y adaptaciones por
Emilio M. Luna
Crítico Dirigido por / EAM / Cinemanía

Ruben Östlund, Suecia, 2022 | 139 minutos | Sátira | VOSE

Carl y Yaya son dos bellos maniquíes que se ganan la vida poniendo rostro y cuerpo a las piezas de los grandes diseñadores del momento. Además, son influencers en el mundo del social media; espacio en el que no solo tiene cabida su trabajo, sino también su proyección personal devenida marca. Tras su estancia en la Semana de la Moda de París, ambos son invitados a un crucero de lujo. Allí, junto a otros individuos mediáticos procedentes del mundo de las artes y de la comunicación, serán agasajados como las grandes personalidades que son. Todo cambiará cuando una tormenta azote al navío. Cuando el confort abandone la cubierta se revelará la verdadera naturaleza de estos distinguidos clientes.

En la escena clave de Fuerza mayor (2014), antepenúltimo filme de Ruben Östlund, un padre de familia abandona a esta ante la caída de un alud en un resort de los Alpes franceses. Una coyuntura que, una vez superada, hará tambalear las relaciones de todos los miembros. Oportunidad en la que el realizador sueco instaura una de las bases

argumentales de su filmografía: el estudio del patetismo humano. En un país en el que todos los cineastas querían emular a Bergman, Östlund ofrece una mirada cínica y cómica de la contemporaneidad heredada de la ficción de Bo Widerberg, némesis bergmaniano y defensor de la sátira como herramienta para desencriptar su tiempo, nuestro tiempo. El triángulo de la tristeza supone la sublimación de ese estilo. Un dibujo cruel y, a la vez, profundamente humano de la sociedad erosionada por el neocapitalismo.

Suecia, Francia, 2022. Título original: «Triangle of Sadness». Dirección: Ruben Östlund. Guion: Ruben Östlund. Compañías productoras: Plattform Produktion, SVT, Film I Väst, arte, Coproduction Office, arte France Cinéma, Imperative Entertainment, BBC Films, Essential Filmproduktion, ZDF/Arte, Svenska Filminstitutet, Eurimages, Medienboard Berlin- Brandenburg, Det Danske Filminstitut, British Film Institute, Nordisk Film, Radio (DR), Canal+, Ciné+, Heretic, Bord Cadre Films, Sovereign Films, Piano Producciones, Creative Europe Media. Distribución en España: Avalon. Fotografía: Fredrik Wenzel, en color.

Reparto: Harris Dickinson, Charlbi Dean, Zlatko Buric, Dolly De Leon, Woody Harrelson, Vicki Berlin, Henrik Dorsin, Sunnyi Melles, Iris Berben, Arvin Kananian, Jean-Christophe Folly, Amanda Walker, Alicia Eriksson, Malte Gårdinger, Nana Manu, Hanna Oldenburg, Oliver Ford Davies, Linda Anborg, Carolina Gynning, Beata Borelius, Shaniaz Hama Ali, Camilla Läckberg.

Luis Arrojo (35 m; 2 episodios)

Es la historia de un grupo de 5 amigos que, tras un año separados, vuelven a coincidir en su ciudad natal durante las vacaciones de verano. Todos juntos, deciden hacer un plan de inauguración de las vacaciones: ir a bañarse al río. Durante el trayecto, descubrirán que su relación ha dejado de funcionar. Juntos, afrontarán el reto de volver a encontrar el vínculo que les unía.

Cast: Álvaro Cobas, Anaïs del Río, Ángela Villa, Asier Albertos y Pedro Sierra.

Jefes de departamento:
Directora de producción: María Berger
1º Ayudante de dirección: Kilian Irz
Director de fotografía: Max Omedes
Jefe de Iluminación: Nacho Reina
Jefe de Sonido: Jaime Borrell
Director de Arte: Gabriel Verdaguer
Montaje: Laura Martínez y Aitana García

Toby Genkel, Florian Westermann, Reino Unido, 2022 | 93 minutos | Animación, Infantil | Especial Día de Reyes | Doblada al castellano

Maurice es un gato callejero que deambula por los rincones de la ciudad buscando la forma más sencilla de sacar rédito. Por avatares del destino encontrará una forma fácil de ganar dinero: un timo. Para ello, convencerá a un niño flautista al que le acompaña un ejército de ratas parlantes. Cuando Maurice y su improvisado equipo lleguen a la ciudad de Bad Blintz, conocerá a Malicia, una joven que les ayudará a llevar a cabo su plan. Sin embargo, el timo no saldrá como pensaban en un inicio; y las consecuencias de este primer fracaso serán inimaginables.

Toby Genkel es el estandarte del nuevo cine alemán de animación que ha surgido en la segunda parte del siglo XXI, con la democratización de un formato que ya no solo depende de los grandes estudios estadounidenses. Genkel ha firmado media decena de obras de éxito que ha propiciado el gran salto de su carrera: la producción británica The Amazing Maurice, codirigida con Florian Westermann y guionizada por Terry Rossio, autor de los libretos de Aladdín (1992), Shrek (2001) y Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra (2003). Rossio marca la editorial del filme: aventuras, desventuras, ironía, algo de gamberrismo y mucho humor. Y quién mejor que Hugh Laurie, el mítico protagonista de House (2004-2012), para prestar voz (original) al protagonista de esta libérrima revisión de El flautista de Hamelín (1816).

Reino Unido, Alemania, 2022. Título original: «The Amazing Maurice». Dirección: Toby Genkel, Florian Westermann. Guion: Terry Pratchett, Robert Chandler, Terry Rossio. Compañías productoras: Sky One, Ulysses Filmproduktion, Studio Rakete, Cantilever Group, Red Star Animation. Distribución en España: Flins y Pinículas. Música: Tom Howe. Voces originales: Hugh Laurie, Emilia Clarke, David Thewlis, Himesh Patel, Gemma Arterton, Hugh Bonneville.

Textos y adaptaciones por
Emilio M. Luna
Crítico Dirigido por / EAM / Cinemanía

Pepe Viyuela interpreta esta antología de poemas de Rafael Azcona, con dramaturgia y dirección de Bernardo Sánchez. Una producción de El vodevil auspiciada por Actual, que tendrá su estreno absoluto el 7 de enero de 2023, en la jornada de clausura del festival.

“Los domingos” es una dramaturgia inspirada en una docena de poemas que Azcona escribió en los años cincuenta, más alguna breve prosa al hilo, que pretende representar esa figura del hombre que intenta ser, estar y amar, en un día que casi no lo es y que resume buena parte de los vacíos que nos pinchan: el domingo, los domingos. Sobre todo, por la tarde. El domingo como una especie de “no día”.

El domingo ciudadano, en el interior de la provincia: otro hueco interior lleno de lluvia y de pérdidas apenas aliviados en el espacio del Café, de los Cafés, desde donde se contempla el mundo y al prójimo, con sus afanes, empresas, ilusiones, mentiras; mientras con la cucharilla se orbita sobre uno mismo; un “uno” que mira, piensa, desea, se duele y nada cambia; y sólo aguarda al acto del próximo domingo, en el que nada se resolverá, de nuevo, ni en sociedad ni en particular. Y en el que los únicos resultados seguros serán los del fútbol.

Los domingos, por Azcona. O sea, según Azcona y para Azcona. En su memoria, que es más actual cada día que pasa. Cada domingo que pasa. Rafael, que nació precisamente un domingo, en Logroño.

Los Premios A de Actual celebran un año más el talento de cuatro personalidades del mundo de la cultura, en sus respectivas categorías. Cuatro autores cuyas trayectorias abren caminos y ensanchan los márgenes del consenso artístico de su tiempo, recibirán la icónica estatuilla "Arrogancia", pieza del célebre escultor riojano Daniel González.

Después de la ceremonia, la Cía Dani Pannullo Dance Theatre representará el espectáculo de danza contemporánea "Avalanche".

Dani Pannullo, ecléctico creador y pionero de la danza urbana en España, dirige una compañía que acumula prestigio nacional e internacional desde 1999; como laboratorio de experimentación, en el que convergen bailarines de múltiples disciplinas y distintas nacionalidades, incorporando al lenguaje escénico las últimas vanguardias.

Sobre “Avalanche”

Pannullo busca y explora sobre la escena los puntos de encuentro de un mundo que considera a la tecnología capaz de desvelarlo todo, pero que, no obstante, sigue siendo ese gran desconocido.

Como ya hiciese anteriormente con b-boys, skaters, parkour, traceurs y beat-boxers, el director madrileño incluye en “Avalanche” el football free-style, una novísima modalidad que se sitúa entre el control, la práctica del deporte y el virtuosismo; trucos, creatividad y estilo convertidos en poesía.

La compañía traslada estos nuevos lenguajes de la calle al escenario, donde sus bailarines persiguen con el balón los upper, sit, lower del propio freestyler, creando así dos visiones del movimiento en escena, como si descifraran ciertos códigos corporales, para regalar belleza en cualquiera de sus formas.

Ficha artística

• Dirección y coreografía: Dani Pannullo
• Bailarines: Alejandro Moya (B-boy Lil’Quest), Julián Gómez (B-boy Hu-lee), Miguel Ballabriga (B-boy Zomas), Rubén Martín (B-boy Chino)
• Football free-styler: Javier Sanz Aguilar
• Violonchelo: Pablo Moreno

El apellido de los Morente, la tradición de todo un clan, está bordado en oro en su piel. Su sangre es, indudablemente, flamenca. José Enrique Morente es Kiki, el hijo del cantaor Enrique Morente y la bailaora Aurora Carbonell, el hermano pequeño de Estrella y Soleá. El artista granadino ha mamado en casa el arte y el cante. Acompañó a su padre en los escenarios hasta que en 2017 decidió estrenarse en solitario. Su disco debut, "Albayzín" (2017), que va mucho más allá del barrio donde nació, es una oda al cante clásico.

Con su último álbum, "El cante" (2021), Kiki se aleja de la ortodoxia y se postula como una de las grandes voces del nuevo flamenco. El benjamín de los Morente, que debuta como compositor y escritor de algunas canciones, sorprende con un estilo único e innovador. En este su segundo disco, experimenta con un sonido más electrónico, mezclando lo clásico con lo contemporáneo, lo antiguo con lo nuevo. La gira "El Cante Tour" para en ACTUAL y nos descubre un lugar diferente del cante flamenco tradicional.

Pionera en la historia del flamenco en cantar acompañándose a sí misma con un piano. Partiendo de la esencia y pureza flamencas, María da rienda suelta a su afán innovador que despliega con bases rítmicas de tangos o bulerías. Sus directos son todo fuerza, pasión, raza, entrega y coraje. Nos conmueve su voz quebrada, llena de giros y quejíos jondos.

El sexto disco de María Toledo es "Ranchera Flamenca" (2021), un trabajo muy especial y novedoso que le valió una nominación a los Grammy latinos en la categoría de mejor álbum de música flamenca. Por primera vez, la cantautora fusiona las rancheras mejicanas a través de ritmos de palos flamencos, como las seguiriyas y las sevillanas. Con este trabajo y su versión de la mítica "El rey", ha conquistado el número 1 en la lista de ventas de iTunes España.

Pocas bromas con Debruces. El grupo madrileño ganó en 2020 la octava edición de la Guerra de Bandas de Actual. El quintento puso el Biribay a sus pies en la batalla musical de hace tres ediciones con un sonido muy bestia en las distancias cortas. Porque el directo no puede ser más contundente entre cuatro paredes. Y porque la música te arrastra con ellos. Oskar y sus amigos están atrapados en un grupo sin salida. Tocan y dicen lo que quieren.

Vuelve su rock potente y regresa con todas sus letras comprometidas. Fundada en 2010 en el barrio de Hortaleza, la banda ya tiene las espaldas cubiertas con cinco discos donde enarbola un estilo atrevido y vigoroso. Debruces está formado por Oskar (voz), Txuski y Lobo (guitarras), Barrabás (bajo) y Miguel (batería). 'Poca broma' (2020) es su trabajo más reciente.

Capaces de codearse en el escenario con los mismísimos Rolling Stones, los conciertos de Sidonie ya son legendarios. Referente generacional para muchos y uno de los tótems de la música indie en castellano, el grupo nació a finales de los años noventa en Barcelona y su impacto en la escena underground fue inmediato. Desde el principio, Marc Ros, Jesús Senra y Axel Pi se han diferenciado por una sonoridad muy especial. Su música transcurre principalmente por el rock, el pop, el funky y la psicodelia. Suena a vintage intacto, pero la paleta musical es amplísima. Sidonie es un mosaico de estribillos resplandecientes, grandes giras, premios y nuevos horizontes de todos los colores.

"El regreso de Abba" (2020) es el noveno álbum del grupo, así como la primera novela de Marc Ros, cantante y compositor. Se trata de un disco doble que termina en una novela. O de una novela que acaba en un disco doble. En definitiva, un brillante trabajo conceptual que evoca la era dorada del pop y el rock. El trío recupera la esencia psicodélica de sus orígenes y nos carga de buenas vibraciones. Los 23 cortes compilados ya forman parte de la que es su mejor celebración musical hasta la fecha.

Los gallegos Superfuzz fueron los vencedores de la novena edición de la Guerra de Bandas de Actual (2021). Fue un triunfo celebrado en la distancia, excepcionalmente exhibido en formato digital por las circunstancias sanitarias. El grupo, nacido en 2018, está integrado por Juan Folla (batería), Andrés Saavedra (bajo) y Javier Insua (voz y guitarra).

Lanzaron su primer LP con el mismo nombre que la banda. "Superfuzz" (2020) es un efecto de guitarra de los años setenta, un overdrive exagerado. La mayor distorsión de la onda produce picos más armónicos. El sonido es grueso y denso. Es castellano con poso del pop rock británico de los años 60. The Beatles, The Kinks o The Who están metidos en un garaje. Y estalla un sonido callejero más actual, en la onda de Jet y The White Stripes.

Lo del trapero barcelonés Pimp Flaco y la banda canaria de bedroom pop Solo Astra (Al, Toni D, Dannel y Luichi Boy) fue un flechazo a primer oído. Y de aquel saetazo musical nació Cupido (2018), un grupo que transita los caminos laterales del pop y disfruta con las mezclas y la condición mutante del género. Guitarras eléctricas, estribillos pegadizos, pianos delicados y desarrollos canónicos armonizan con la voz procesada de Flaco en letras de combustión lenta.

”Préstame un sentimiento” (2019) fue el primer beso sellado, y reproducido en una gira nacional, por estos románticos subversivos. Colaboraciones como la de Lola Índigo y Alizzz en la remezcla de su tema “Autoestima” espolearon un año de debut fascinante. Ahora, el arco de Cupido nos dispara al corazón “Sobredosis de amor” (2022), un segundo disco que sintoniza canciones tan populares como “La pared” y melodías dosmileras tan deliciosas como “Almohada”.

En la última gala de los Premios de la Música Independiente (MIN), la andaluza arrasó con seis galardones. La publicación de "Puta" (2021), distinguido como mejor álbum del año, ha sido un punto de inflexión que la sitúa en la primera división del pop nacional para grandes audiencias. Es un trabajo explícito y autobiográfico que ha tenido continuidad en "Reputa" (2022), una compilación de versiones y remezclas de las mismas canciones de "Puta" en la que han participado Rodrigo Cuevas, María José Llergo o Carolina Durante. Próxima (y última) parada de esta gira histórica: ACTUAL.

Son más de 20 años en carretera, entre discos, giras y colaboraciones. Ha llovido mucho desde que compusiese su primera canción con 12 años y desde que, ya como veinteañera, autoeditase su primer disco, "Día 913". Fue el principio de su gran idilio con la música. Con el arte, en general. Ahora le sale a borbotones. Porque María Zahara Gordillo es una divinidad rebelde en el Olimpo de la música independiente. Nos ha provocado, enamorado y sorprendido con sus mil y una caras. Pero lo mejor es que estamos seguros de que lo seguirá haciendo.

Morgan nació por pura casualidad. Era 2012. Carolina de Juan, Nina para la posteridad, estaba preparada para volar hacia el extranjero, aprender inglés y quizá encontrar alguna perspectiva ilusionante. El guitarrista Paco López y el batería Ekain Elorza, actualmente en el grupo junto a ella y el teclista David Schulthess, impidieron que se fugase. Afincaron en Madrid el nacimiento de Morgan. Desde entonces, la música y el éxito de la banda han crecido a un ritmo vertiginoso. Más de 300 actuaciones en festivales, teatros y salas de toda España, y cinco Premios de la Música Independiente, respaldan esta refinada propuesta de rock, folk y soul. Bendita suerte tenemos.

José Nortes produjo sus dos primeros álbumes, "North" (2016) y "AIR" (2018), que fueron el detonante de grandes giras por todo el país. Considerado por crítica y público como un grupo de culto, lanzó en 2021 "The river and the stone". Las diez canciones fueron grabadas en Francia junto a Campi Campón. Son muchas conversaciones y horas de creación conjunta destiladas. Es vestir ideas y seguir explorando ambientes, conceptos y sonidos: la garantía de que pertenecen a un club muy reservado.

La tradición también puede sonar a vanguardia y a música electrónica. Al menos, eso es lo que ha conseguido Baiuca, el muy personal proyecto del gallego Alejandro Guillán. Las cunchas, las flautas, las gaitas y las voces de las cantareiras armonizan naturalmente con sintetizadores, cajas de ritmo y programaciones. No hay reglas escritas en esta aventura a la que se han sumado sonidos tan dispares y brillantes como los de Carlos Núñez y Fuel Fandango. Bienvenidos a la folktrónica del mañana.

"Solpor" (2018) fue un puñetazo en la mesa, un disco estimulante construido con canciones populares, como "Muiñeira", y algunas composiciones de cuño propio. Una de ellas, "Morriña", tiene vocación de clásico popular. Su nuevo álbum "Embruxo" (2021) es más conceptual. Nos sumerge en el misticismo de las meigas y los mouchos. Los sonidos ancestrales respiran con el pulso agitado por la programación electrónica. En directo, conectan con el gran percusionista Xosé Lois Romero y con las voces de Andrea y Alejandra Montero. El embrujo está lanzado.